JE Sala de Arte

Entenda como funciona a votação do Oscar

2010-03-01T11:19:00.000-03:00

No dia próximo dia 07 de março as atenções do mundo estarão voltadas para Los Angeles, mais especificamente, para o palco Kodak Theatre, onde será realizada a 82ª cerimônia de premiação do Oscar®.

Muito antes das celebridades pisarem no famoso tapete vermelho iniciou-se o processo de votação. As cédulas de votação foram enviadas para os cerca de 5.800 membros votantes da Academia de Ciências e Artes Cinematográficas no final de 2009. Este é o 76º ano em que a PricewaterhouseCoopers LLP (PwC) realiza a apuração dos votos do Oscar.

Apenas duas pessoas no mundo sabem dos vencedores de cada categoria antes do anúncio oficial. São eles Brad Oltmanns e Rick Rosas que comandam o processo de votação. Há 76 anos, o minucioso processo permanece o mesmo e nunca houve uma única falha na segurança.

Pela primeira vez, desde 1943, o número de indicados de Melhor Filme aumentou de cinco para 10. "Mesmo que as regras de votação tenham mudado na categoria de Melhor Filme, nossos objetivos permanecem os mesmos - assegurar a precisão, objetividade e confidencialidade no processo de apuração dos votos", disse Brad Oltmans, que tem liderado o processo de apuração dos votos da Academia desde 2004.

Como funciona a votação

No dia 28 de dezembro de 2009, os 5.777 membros votantes da Academia receberam as cédulas de indicação ao Oscar, que devia ser preenchida e entregue até o dia 23 de janeiro. Dez dias depois, 02 de fevereiro, os indicados foram anunciados. As cédulas finais foram entregues no dia 10 de fevereiro, com prazo final de entrega para o dia 02 de março.

Todas as cédulas preenchidas são entregues à PricewaterhouseCoopers. Os líderes do processo de apuração fazem a tabulação das respostas manualmente, de acordo com as regras da Academia. Como medida de precaução, dois conjuntos completos de envelopes contendo os nomes dos ganhadores são preparados e levados para a cerimônia por rotas diferentes e secretas. Como uma segunda medida de precaução, os líderes do processo de apuração também memorizam todos os nomes dos ganhadores.

As identidades dos vencedores do Oscar são mantidas confidenciais até que sejam anunciadas durante a transmissão. Oltmanns e Rosas permanecem nos bastidores e entregam os envelopes aos apresentadores do prêmio imediatamente antes desses entrarem no palco.

Sherlock Holmes

2010-01-22T16:08:00.002-02:00

Esqueçam a figura sisuda, de posse de sua inseparável lupa e de emblemáticas frases como "Elementar, meu caro Watson". O novo Sherlock Holmes, (Robert Downey Jr.) que chega às telas de cinema de todo o Brasil, é bem diferente do que os fãs acostumaram a acompanhar nos escritos de Arthur Conan Doyle. Trata-se de uma versão remasterizada e pop, influenciada decisivamente pela HQ, que tem o legítimo objetivo de divertir o seu público, sem abrir mão de determinadas características do detetive mais famoso do mundo.

Para os leitores de revistas de celebridades, Guy Ritchie é apenas o ex-marido da musa pop Madonna, mas para o grande público cinéfilo, o cineasta é sinônimo de inovação, com obras pouco convecionais e a mistura explosiva e repleta de sarcasmo de belíssimas cenas de luta e ação com uma comédia inteligente. Em Sherlock Holmes não é diferente. Ritchie concede habilidades de lutas marciais e um ar mais pop ao consagrado detetive. Destaque para a excelente e divertida atuação de Robert Downey Jr.

A história se passa na Londres no período vitoriano e marca o que seria o fim da parceria de Holmes com Watson, (Jude Law) em virtude do casamento deste último. Como último caso, eles precisam desvendar o mistério que envolve magia negra, o futuro da Inglaterra e a figura macabra do Lorde Blackwood(Mark Strong). O filme deve ser encarado como puro entretenimento e talvez o grande pecado de Guy Ritchie foi a busca por tentar tornar o filme digerível para todos os espectadores e de convencer na marra que a trama merece uma franquia.

Excessos de explicações enfraquecem a força narrativa do filme, assim como a repetição de tomadas amplas, captando boa parte da Londres da época serve apenas para mostrar o trabalho de recriação da cidade e não nos tem muito a dizer. Em alguns momentos a narrativa e as cenas trazem no seu bojo um ar arrogante de quem quer ser mais do que realmente representa. As cenas de luta e os efeitos especiais devem fascinar o público menos exigente e confirmar o sucesso que o filme obteve nos Estados Unidos.

A estrutura narrativa convencional deve decepcionar boa parte da legião de fãs do cineasta. A divertida trilha sonora assinada por Hans Zimmer é responsável por ser o fio condutor da narrativa ef az isso muito bem. Não é o melhor trabalho Ritchie, mas com certeza é um dos melhores filmes do gênero, que diverte e traz boas imagens de uma Londres inebriante, de tons de cinza e personagens misteriosos.

Nota: 7,0

Besouro

2009-10-31T13:31:00.002-02:00

A expectativa, muitas vezes, é proporcional à decepção por mais boa vontade que tenhamos com o produto a ser analisado. "Besouro", sem qualquer exagero, era o filme mais esperado pelo público brasileiro em 2009. Referendado pelo ótimo trailer que fez sucesso na internet, com milhares de visualizações e por criar um super herói genuinamente brasileiro.

No entanto, a grande expectativa e a louvável idéia de um herói capoeirista se dissipa tão rapidamente quanto os movimentos de Besouro. Os minutos iniciais são um banho de água fria no espectador mais atento. Utiliza-se em demasia o recurso textual para contextualizar a história e de forma redundante, ao invés de nos mostrar através de imagens.

Os diálogos iniciais são fraquíssimos e as atuações da mesma forma. O roteiro é burocrático, arrastado, tornando um filme sobre o lendário capoeirista do recôncavo baiano pouco ágil, com situações e conversas que pouco acrescentam à trama.

As boas passagens ficam por conta do ótimo ator Irandhir Santos, o Noca de Antônia. A cena que mistura capoeira e sensualidade entre Besouro (Aílton Carmo) e Dinorá (Jessica Barbosa) é outro destaque positivo do longa-metragem do diretor iniciante em longa-metragens, mas com sólida e premiada carreira publicitária, João Daniel Tikhomiroff. A marcante trilha sonora cantada por Gilberto Gil e a Nação Zumbi deve também ser valorizada.

Mas os problemas na direção, roteiro e elenco ofuscam de forma cruel a bela iniciativa e o que há de interessante no filme. A feira popular, o surgimento do herói, o comportamento dos vilões, tudo é abordado de modo muito inverossímel. Falta a Tikhomiroff o traquejo cinematográfico. A fotografia em nenhum momento explorou a paisagem da Chapada Diamantina e as lutas não tiveram seu caráter épico, devido aos planos fechados e claustrofóbicos. Mas mesmo de forma atabalhoada, é uma homenagem à Bahia e a nossa cultura tão peculiar.

Nota: 4,5

Salve Geral

2009-10-06T17:14:00.002-03:00

No fim de semana do dia das mães do ano de 2006 não há um paulistano que não se lembre do pânico que os ataques do PCC (Primeiro Comando da Capital) geraram na população. O novo filme de Sérgio Rezende - Salve Geral - aborda justamente esse período marcado por muita violência e medo.

O interesse em conferir o mais novo drama nacional ganhou um gás novo com o anúncio de que o longa-metragem está na disputa para ser um dos indicados ao Oscar 2010. Assim como no filme anterior de Rezende (Zuzu Angel), o fio condutor é a preocupação e procura de uma mãe - muito bem interpretada por Andréa Beltrão - por seu filho, interpretado pelo jovem e competente ator Lee Thalor.

Após se mudarem para um bairro suburbano, devido à dificuldades financeiras, a vida de professora de piano Lúcia (Andréa Beltrão) e o seu filho Rafa (Lee Thalor) mudam completamente quando ele comete um homicídio por acidente, sendo preso em flagrante, e passa a conviver no presídio com os integrantes do PCC.

Em uma de suas visitas ao presídio, Lúcia conhece a advogada Ruiva(Denise Weinberg), que na verdade integra o Comando. A mãe de Rafa passa a realizar pequenos favores, a entregar encomendas para dos presidiários do PCC e acaba se envolvendo emocionalmente com um dos líderes do movimento. A grande falha do filme está justamente nesse ponto. Lúcia em nenhum momento questiona o que a Ruiva lhe propõe, assim como não há sequer nenhuma preocupação ética e moral quanto à sua relação com o preso, conhecido como o Professor. Rezende reduz o envolvimento de Lúcia com PCC de um modo muito mecanicista. Atribui-se esse atitude ao seu desespero em tentar tirar seu filho da prisão, o que tornou vulnerável sua incorporação ao sistema criminoso.

Acredito que o que contribuiu para Salve Geral ter superado outras nove produções nacionais na disputa por uma indicação do Oscar foi o seu roteiro. É o grande trunfo do filme. Muito bem elaborado, ágil e que soube contextualizar os motivos que levaram aos ataques violentos. Rezende construiu um drama policial sem fazer uso de muitas cenas de violência e sem perder o bom ritmo que permeia o longa.

As atuações são outro ponto forte. Andréa Beltrão e Denise Weinberg estão inspiradíssimas e Lee Thalor está ótimo. O que não torna Salve Geral acima da média é o fato de não ir além dos conhecidos acontecimentos. As discussões morais são muito tímidas. Os melhores diálogos ficam por conta de Rafa e o seu companheiro de cela Xizão (Michel Gomes). Duas das cenas mais representativas ficam por conta dos dois. A primeira é quando Xizão mostra o manifesto do partido, no entanto Rafa alerta para um erro de concordância e Xizão conta que não é pra mexer no texto porque o PCC quer assim e o correto vai passar a ser daquele jeito. Em outra cena, ao ser questionado sobre sua fé nos ideais do partido, Xizão adverte - Se eu não acreditar nisso eu vou acreditar em quê?

Rezende consegue construir muito bem o caldeirão em ebulição que se transformou a capital paulista, aliada a intensa e competente trilha sonora do estreante em cinema Miguel Briamonte. Porém, o filme em si pouco acrescenta a filmografia sobre esta temática já abordada exaustivamente pelos cineastas brasileiros que é a violência urbana. Uma história muito bem contada, mas que não se propõe a alçar voos maiores.

Nota: 7,0

A Onda

2009-09-12T13:52:00.003-03:00

A Alemanha, há um bom tempo, vem se notabilizando em produzir filmes politizados. Essa preocupação reflete a culpa que os alemães ainda carregam, em virtude do sofrimento que eles causaram ao mundo. Edukators, Adeus, Lênin!, A Vida dos Outros e agora A Onda,, do diretor Dennis Gansel, são belos exemplos disso.

O jovem e despojado professor Rainer Wegner - que no primeiro dia de aula vestia uma camisa dos Ramones - é informado que irá ministrar um curso sobre autocracia, embora esperasse ensinar anarquia aos seus alunos.

Diante de jovens desinteressados e que não conseguiam compreender os mecanismos de um sistema fascista, o docente decide demonstrar na prática o significado da autocracia.

Para este intento, é definido um nome para o movimento, um uniforme, um cumprimento e uma insígnia. O professor é então nomeado o líder do grupo e a cada pequena imposição vê as suas intenções funcionando perfeitamente, porém as consequência fogem do seu controle e o movimento vai as ruas, cerceando a individualidade e o livre arbítrio dos seus membros, em nome da união e da coletidade. Rapidamente, os alunos que não fazem parte da Onda são discriminados e até violentados.

Acontecido, originalmente, na Califórnia no ano de 1967, o experimento havia sido denominado de Terceira Onda e proposto pelo professor Jones, de história, ao tentar explicar o funcionamento do fascismo para seus alunos. O docente simulou um microcosmo social, composto por ele e seus alunos, através do término da democracia para elevar o poder da unidade, seguindo os preceitos "poder pela comunidade", "poder pela disciplina", "força pela ação" e "força pelo orgulho".

A Onda é um drama muito bem realizado que toca em pontos importantes, através de uma crítica social contundente ao ser humano e as novas gerações, facilmente manipuláveis que estão a vagar na busca de uma ideologia que faça sentido para elas próprias, que as guiem e as unam, tendo em vista algo maior. A grande falha da produção é a construção dos personagens, sobretudo os adolescentes, que se apresentam sem profundidade alguma e até certo ponto inverossímeis. Vários estereótipos de filmes colegiais são criados no decorrer da trama. Já o professor Rainer, interpretado Jürgen Vogel, se mostra muito bem construído e equilibrado. Uma grata surpresa.

O longa-metragem levanta questionamentos absolutamente pertinentes que podem ser considerados como irreais e distantes da realidade atual, mas através da idiotização e massificação do pensamento juvenil, proporcionado pela mídia, torna-se algo mais tangível do que nos parece. A personalidade e individualidade de cada um é facilmente desprezada, tendo em vista algo maior, que lhes exima de responsabilidade. Gansel mostra o quanto uma geração carente, imatura e vazia é um terreno fértil para a instauração do totalitarismo.

Nota: 7,5

Stella

2009-08-31T11:29:00.001-03:00

Stella marca o primeiro longa-metragem da diretora francesa Sylvie Verheyde, trabalho este que não deve passar despercebido. A temática toca em um aspecto já bem utilizado pelo cinema latino-americano: crianças que são forçadas a lidarem com problemas da vida adulta cedo demais, e de pais que ainda não adquiriram a maturidade necessária para cuidar de seus filhos.

O filme se passa na França da década de 70. Stella (Léora Bárbara) é uma garotinha de onze anos que vive com seus pais em um bar da periferia parisiense. Admitida em um tradicional colégio de Paris, ela logo percebe o quão sua vida é diferente das outras crianças.

É na escola que Stella passa vislumbrar um novo mundo, ora deslumbrante, ora sufocante. Em casa, ela tem que lidar com as constantes discussões de seus pais, a infidelidade de sua mãe e as farras rotineiras no bar que não a deixam dormir a noite. Todas essas implicações e sua origem humilde acabam por comprometer o seu rendimento na escola, gerando boas doses de preconceito de professores e colegas. Ao conhecer por acaso Gladys (Mélissa Rodriguez), surge diante dela novas descobertas e experiências que vão proporcionar uma forma diferente de ver a vida.

As narrações em off são um dos pontes fortes do filme, por vezes intensas, noutras fazendo uso do sarcasmo, delineam a narrativa de forma competente. A câmera consegue captar as nuances e detalhes que geralmente são percebidos por uma criança de onze anos. Stella prende os espectadores pela sensibilidade e pelo roteiro bem amarrado, sobretudo na primeira metade. A atuação de Léora Bárbara é surpreendente e muito competente, uma bela revelação.

Do meio para o final do filme, o comportamento Stella passa a se reduzir apenas a sentimentos inerentes à puberdade, o que enfranque o discurso de Verheyde, mas não tira o brilho e beleza do seu belo trabalho. A fotografia amarelada e a deliciosa trilha sonora complementam e dão a narrativa um belo tom de inocência e nostalgia a trama.

Stella emociona sem ser piegas e faz sorrir sem se apropriar do humor gratuito e sem propósito. Uma história simples e sensível muito bem contada. Mais uma belíssima produção do cinema francês contemporâneo que deve agradar em cheio o público, inclusive os mais exigentes.

Nota: 8,0

Os Normais 2 - A Noite Mais Maluca de Todas

2009-08-26T11:34:00.005-03:00

Nunca as comédias brasileiras tiveram tanto sucesso de público quanto em 2009. Se eu Fosse Você, A Mulher Invisível e Divã levaram milhões de brasileiros às salas de cinema do Oiapoque ao Chuí. Produtos cinematográficos de enorme sucesso, embora como cinema não sejam tão consistentes assim.

Os Normais 2 - A Noite Mais Maluca de Todas é o mais novo longa-metragem nacional do gênero que chega às telas cercado de grande expectativa por parte do grande público e grande ceticismo por aqueles que acompanham a sétima arte com um olhar mais crítico.

A história gira em torno da busca de Rui (Luiz Fernando Guimarães) e Vani (Fernando Torre) por uma mulher que tope fazer um ménage à trois com eles para apimentar a relação já desgastada.

Esta sequência é bem superior ao primeiro filme que se arrasta durante as duas horas de projeção. José Alvarenga Jr. consegue dar um bom ritmo à narrativa, embora não consiga sair do terreno da previsibilidade crônica e não consigo produzir um produto cinematográfico. As participações de Cláudia Raia, Daniele Suzuki, Danielle Winits e Drica Moraes pouco acrescentam à narrativa.

O filme cumpre o seu papel inicial e fundamental que é o de divertir, embora utilize de formas e piadas já consagradas e utilizadas à exaustão no seriado de tv. O longa-metragem parece uma compilação de episódios da minissérie com a inserção da comédia pastelão em alguns momentos que não convence e enfraquece o produto final.

As piadas com forte conatação sexual funcionam na maioria das vezes, embora em algumas oportunidades elas soem demasiadamente ofensivas, gratuitas e sem graça e acabam destoando das outras, o que dá uma nítida sensação de desconforto nos espectadores.

A dupla Rui e Vani que se notabilizou pela sintonia, por ótimas atuações e um texto afinado dá a impressão que não está nos seus melhores dias. A atuação de Fernanda Torres é, de certa forma, caricata e a sintonia de outrora não é percebida.

Os Normais 2 - A Noite Mais Maluca de Todas peca pela previsibilidade e atuações não tão inspiradas, mas o texto dinâmico e criativo de Fernanda Young e Alexandre Machado vale o ingresso e diverte, mas não mais que isso.

Nota: 5,5

Força G

2009-08-17T13:37:00.002-03:00

A mais nova animação dos estúdios Disney traz agentes especiais de combate ao crime que são nada mais, nada menos que simpáticos porquinhos da índia. O esquadrão Força G - que leva o nome do filme - é composto também por uma mosca e uma topeira.

O primeiro ato do filme é divertido e bem amarrado ao apresentar aos espectadores os personagens, embora só no final da trama nos esclareça, de fato, de onde veio cada um. As piadas funcionam e tocam justamente na personalidade e o modo viver a vida de cada personagem.

O argumento inicial é o consagrado clichê do grande vilão que tem um plano maquiavélico de dominar o mundo. No entanto, ha uma grande reviravolta no final do filme em que cai por terra este argumento, mas não impede que o longa caia na previsibilidade, seja através das cenas de ação ou da condução da trama.

Hoyt Yeatman cai no erro comum aos diretores iniciantes em pouco ousar e utilizar de técnicas e discursos utilizados em produções do gênero que obtiveram sucesso. Como personagens que pareciam estar mortos que ressurgem ou aqueles que não são exatamente o que parecem. O velho discurso de exaltação da amizade e de se mostrar o seu valor e qualidades ganham força e enfraquecem o discurso final de Yeatman.

Como entretenimento, Força G tem seus méritos na parte visual, na construção dos personagens e nas piadas, mas a utilização de clichês e da apropriação de velhos e insistentes discursos comprometem o produto final. Mas, sem dúvida é um trabalho que tem seu valor, justamente, por ser a estreia de Yeatman.

Nota: 6,0

Coração Vagabundo

2009-08-12T23:26:00.004-03:00

A história de Caetano Veloso é facilmente confundida com a própria história da música popular brasileira. Desde quando ele surgiu no palco do III Festival da Internacional da Canção, promovido pela Rede Globo, Caetano tem se mostrado um ser polêmico e cosmopolita.

Mas antes de tudo, este documentário que chega às telas de cinema todo o Brasil é um visão humana e leve desta personalidade tão marcante e representativa da nossa música. "Coração Vagabundo" não é um documentário sobre a vida e carreira do santoamarense mais famoso. O mais recente trabalho do jovem diretor Fernando Grostein Andrade nos mostra um Caetano mais humano e divertido, embora esse caráter intimista do artista não seja bem trabalhado em alguns momentos e perca o tom em outros.

As filmagens ocorreram durante a turnê do disco "A Foreign Sound", em que Caetano viajou por Nova Iorque, Tóquio e Quioto, no ano de 2003. Como as imagens já estavam prontas, parece que o roteiro foi estruturado em virtude do material disponível e não o contrário. Por conta disso, alguns assuntos como a vida em Santo Amaro e a separação com Paula Lavigne não são devidamento abordados e aprofundados. São dadas apenas algumas pinceladas sobre os mais variados assuntos da intimidade do filho de Dona Canô.

É preciso respeitar o que a gente espera de uma obra e o que o diretor se propõe a nos oferecer, mas uma proposta limitada fatalmente resulta em um produto aquém do seu potencial e que não nos acrescenta muito. O argumento de "Coração Vagabundo", que curiosamente possui as mesmas inicias do seu autor, é simplesmente a intimidade e o modo de viver despretencioso de Caetano, como mostra a primeira cena do filme, em que através da porta entreaberta o espectador vê Caetano nu no banheiro.

Alguns depoimentos evidenciam o cosmopolitismo de Caetano, como do cineasta Pedro Almodóvar que fala sobre o aparecimento do cantor brasileiro no filme "Fale com Ela" cantando a música "Cucurrucucu Paloma" e do cineasta Michelangelo Antonioni, visivelmente emocionado, após Caetano ter citado uma das cenas do seu filme "Profissão Repórter".

Os sessenta minutos do documentário passam rapidamente, nos oferecendo uma visão nada convencional de um dos ícones da música brasileira. A obra audiovisual pode ser facilmente confundida com um conteúdo extra de um DVD. Não tem o peso de um documentário, nem nos oferece uma leitura consistente sobre o músico. Quem por acaso não conhecer o trabalho de Caetano e se deparar com esta obra terá dificuldade em reconhecê-lo como o artista brilhante que ele é.

Nota: 7,0

Dúvida

2009-04-18T23:28:00.000-03:00

Existe um ditado popular que diz que a flecha lançada, a palavra proferida e a oportunidade perdida são coisas que nunca voltam atrás. O excelente filme "Dúvida" trata justamente da segunda questão: a palavra proferida e os problemas que ela acarreta.

A narrativa se passa na década de 60 em uma escola católica e tradicional do Bronx. O padre Flynn (Philip Seymour Hoffman), mesmo mantendo-se fiel aos preceitos cristãos, utiliza seus sermãos para falar de maneira clara, objetiva, instigando à reflexão da conduta de todos na comunidade. Na escola, ele procura modificar as rígidas regras com um discurso mais moderno e acolhedor. No entanto, essa atitude do padre não é vista com bons olhos pela freira Aloysius (Meryl Streep).

As mudanças políticas capitaneadas pelo Padre Flynn começam a surtir efeito quando o primeiro aluno negro , Donald Miller (Joseph Foster), é aceito pela escola. Flynn afim de evitar que o garoto se sinta excluído, passa a dar atenção maior a ele. No entanto, essa suposta preocupação foi vista de uma outra maneira pela inocente e bondosa irmã James (Amy Adams), que revela sua preocupação para a freira Aloysius, sem apresentar nenhuma prova. A freira Aloysius decide vasculhar a vida do Padre a fim de descobrir a verdade a respeito da relação do padre com o garoto e finalmente, expulsar o religioso da escola.

A irmã James, em virtude de sua acusações, se mostra angustiada pelo sentimento de culpa, devido a ausência de comprovação do pecado cometido pelo padre, No entanto, Aloysius permanece com a ideia fixa de acabar com a reputação do padre Flynn. "Dúvida" é originalmente uma peça de teatro, vencedora do Prêmio Pulitzer, dirigida também por John Patrick Shanley. Apesar da inexperiência ele soube conduzir bem a narrativa. Todos os erros do diretor inciante foram suprimidos pela carga dramática que ele conseguiu extrair dos atores, quatro deles concorreram ao Oscar, devido a suas atuações. Destaque para Meryl Streep que consegue magnetizar o espectador com apenas um olhar e para Viola Davis que em alguns minutos que aparece no longa, consegue aproveitar cada segundoque está em cena e nos presenteia com um par de cenas memoráveis.

Um filme clássico em que todo o aparato tecnológico, os movimento de câmeras originais, uma diração eletrizante não tem espaço. A atenção de quem assiste "Dúvida" deve se ater aos atores, grandes atores que carregam toda a essência da narrativa e nos mostra um jeito diferente de se fazer cinema.

A história gira em torno da dualidade culpa/absolvição. O filme nos propõe uma reflexão sobre os julgamentos que fazemos cotidianamente e não nos damos conta. É correto julgar atitude dos outros, sem ao menos sabermos, de fato, o que está ocorrendo? Shanley não nos dá uma resposta pronta nem uma solução para o dilema. A questão fica em aberto e a dúvida que permeia a narrativa e o pensamento de alguns personagens é transferida para os espectadores. Será que o padre realmente abusou do garoto ou dentre todas as questões abordadas no filme, essa é das menos importantes. Prefiro ficar com a segunda opção.

Nota: 8,0

Veja Trailer:

O Menino da Porteira

2009-03-24T20:36:00.001-03:00

“Toda vez que eu viajava pela Estrada de Ouro Fino, de longe eu avistava a figura de menino...” É difícil conhecer algum brasileiro que ao menos uma vez não tenha escutado esses versos. “Menino da Porteira”, antes de mais nada, é uma das mais belas composições da música sertaneja tupiniquim que virou filme na década de 70 nas mãos do diretor Jeremias Moreira. Passados mais de trinta anos, o cineasta faz uma refilmagem de sua obra. O boiadeiro Diogo que na época era interpretado por Sérgio Reis, neste remake fica a cargo de Daniel.

Eu não assisti o filme original, por conseguinte, evitarei qualquer comparação com o longa-metragem anterior e me aterei apenas a produção recente. A história se passa na década de 50 em um vilarejo rural no interior de São Paulo. O boiadeiro Diogo (Daniel) está levando uma grande boiada para a fazenda de Ouro Fino, quando ao passar pela fazenda Remanso, conhece o garoto Rodrigo que sonha em ser boiadeiro. A partir daí os dois mantém um belo laço de amizade. No entanto, o clima na cidadezinha não é nada amistoso, o major Batista (José de Abreu), ganancioso fazendeiro da região explora os sitiantes, pagando pelos bois o preço que ele quer pagar e utilizando da violência para intimidar os pequenos criadores.

A trama por si só tinha tudo para empolgar os espectadores por integrar elementos que caem facilmente no gosto do público: atores mirins, ambiente rural, música, clima de faroeste e injustiça social, mas o filme fica só no que poderia ter sido e não foi.

As atuações são muito fracas, a única exceção fica por conta do Major Batista, interpretado pelo ótimo José de Abreu. Graves problemas estruturais que não levam o filme adiante, apesar do clima aparentemente efervescente da trama, a narrativa é lenta, os diálogos são simples demais, em alguns momentos chegam a ser desprezíveis e não acrescentam nada do que é mostrado na telona. Falta o tratamento mais cuidadoso com as imagens, os cortes são muito bruscos, os focos são muito forçados e incômodos.

Um filme que não empolga em momento algum, que nos impõe atuações caricatas com diálogos razos. Tenta aproveitar o rastro do sucesso de “Dois Filhos de Francisco”, mas nem se aproxima da naturalidade e beleza da trama biográfica de Zezé di Camargo e Luciano.

Nota: 4,0

O Leitor

2009-03-24T20:27:00.003-03:00

É mais do que um dilema sobre tornar público ou não um segredo. O novo filme do diretor Stephen Daldry (mesmo diretor de As Horas e Billy Elliot) nos revelas as implicações que a ignorância e a falta de conhecimento impõe às pessoas.

O Leitor nos mostra um visão totalmente diferente da Alemanha pós guerra. Hanna - interpretada brilhantemente por Kate Winslet, é uma funcionária de uma empresa de bondes, uma mulher solitária e não menos misteriosa que se envolve amorosamente com o adolescente Michael. Juntos, eles iniciam um relação única repleta de descobertas sexuais para ele e literárias para ela.

O filme possui um primeiro ato muito bem realizado e instigante, nutrido por essas descobertas, narradas de forma sutil, lírica e não menos erótica. A atuação de Kate Winslet prende o espectador por um misto de mistério, beleza e dramaticidade impressionante. Para quem já assistiu O Leitor sabe que a conquista do Oscar de melhor atriz sempre soou meio óbvio.

O segundo ato não segue o mesmo ritmo do primeiro, a trama que se desenvolvia de forma interessante torna-se caricata e rasa, embora o ritmo do filme não caia, devido ao ótimo trabalho de Winslet. O roteiro irregular impede que as subtramas sejam concluídas ou até mesmo tenham uma maior nível de profundidade.

No final, tem-se a impressão que o filme não soube explorar as questões que surgiam no seu desenrolar. Acrescenta muito pouco a cinematografia já existente sobre a Segunda Guerra Mundial, justiça, direito, muito mesmo sobre essa relação amorosa nada casual. O grande positivo e que irá fazer o filme não cair no esquecimento é a atuação acima da média de Winslet e só.

Nota: 6,0

Oscar 2009

2009-02-16T21:32:00.003-03:00

A maior premiação do cinema mundial está chegando e com isso a discussão acerca dos ganhadores, injustiçados e supostas rivalidades ganha força.

Esta vai ser a 81ª edição da festa, que terá como anfitrião o ator australiano Hugh Jackman, que contracenou recentemente com Nicole Kidman no filme "Austrália", que concorre em apenas uma categoria - Melhor Figurino.

"O Curioso Caso de Benjamin Button" (13 indicações) de David Fincher, apesar do grande número de indicações, tem sérias chances de abocanhar menos estatuetas que "Quem quer ser Milionário", de Gus Van Sant. Já que no BAFTA - premiação do cinema britânico - o filme de Sant conquistou 7 prêmios dos 11 que disputou.

O grande injustiçado da vez foi o "Batman: O Cavaleiro dsas Trevas" (8 indicações) não ter concorrido como Melhor Filme, uma obra-prima madura, completa, com uma atuação histórica e antológica de Heath Ledger, - a maior barbada do Oscar desse ano, não deve haver dúvida que a estatueta de Melhor Ator 'Coadjuvante' irá para 'ele'.

A briga pela estatueta de Melhor Ator é uma categoria que promete um duelo sensacional. Deve ir para Brad Pitt(O Curioso Caso de Benjamin Button) ou para Mickey Hourke (O Lutador). Dois atores marcados pela aparência de galã, mas que tiveram trajetórias díspares no Cinema. Enquanto Brad Pitt soube administrar muito bem sua carreira, atuando em grandes filmes, em sua maioria, Mickey Hourke quase caiu no ostracismo devido a decisões equivocadas que teve ao longo da carreira.

Segue abaixo em negrito as apostas do colunista de quem se sairá da festa com a estatueta em punho (exceção de Heath Ledger que teve uma indicação póstuma).

Melhor Filme
+ Milk - A Voz da Igualdade
+ O Curioso Caso de Benjamin Button
+ Frost/Nixon
+ O Leitor
+ Quem quer ser milionário?

Melhor Direção
+ Gus Van Sant - Milk - A Voz da Igualdade
+ Ron Howard - Frost/Nixon
+ Danny Boyle - Quem quer ser milionário?
+ David Fincher - O Curioso Caso de Benjamin Button
+ Stephen Daldry - O Leitor

Melhor Ator
+ Mickey Rourke - O Lutador
+ Brad Pitt - O Curioso Caso de Benjamin Button
+ Sean Pean - Milk - A Voz da Igualdade
+ Frank Langella - Frost/Nixon
+ Richard Jenkins - O Visitante

Melhor Atriz
+ Kate Winslet - O Leitor
+ Angelina Jolie - A Troca
+ Melissa Leo - Rio Congelado
+ Anne Hathaway- O Casamento de Rachel
+ Meryl Streep - Dúvida

Melhor Ator Coadjuvante
+ Michael Shannon - Foi Apenas um Sonho
+ Josh Brolin - Milk - A Voz da Igualdade
+ Robert Downey Jr. - Trovão Tropical
+ Philip Seymour Hoffman - Dúvida
+ Heath Ledger - Batman - O Cavaleiro das Trevas (Póstumo)

Melhor Atriz Coadjuvante
+ Taraji P. Henson - O Curioso Caso de Benjamin Button
+ Viola Davis - Dúvida
+ Penélope Cruz - Vicky Cristina Barcelona
+ Amy Adams - Dúvida
+ Marisa Tomei - O Lutador

Melhor Filme de Animação
+ Bolt - Supercão
+ Kung Fu Panda
+ Wall °E

Melhor Filme de Língua Estrangeira
+ Departures (Japão)
+ Der Baader Meinhof Komplex (Alemanha/França/Rep. Tcheca)
+ Valsa com Bashir (Israel)
+ Entre os Muros da Escola (França)
+ Revanche (Áustria)

Melhor Roteiro Original
+ Rio Congelado
+ Simplesmente Feliz
+ Na Mira do Chefe
+ Milk - A Voz da Igualdade
+ Wall °E

Melhor Roteiro Adaptado
+ Quem Quer Ser Um Milionário?
+ O Curioso Caso de Benjamin Button
+ Dúvida
+ Frost/Nixon
+ O Leitor

Melhor Figurino
+ Foi Apenas um Sonho
+ Milk - A Voz da Igualdade
+ A Duquesa
+ O Curioso Caso de Benjamin Button
+ Austrália

Melhor Maquiagem
+ Hellboy II - O Exército Dourado
+ Batman - O Cavaleiro das Trevas
+ O Curioso Caso de Benjamin Button

Melhor Montagem
+ Quem Quer Ser Um Milionário?
+ O Curioso Caso de Benjamin Button
+ Batman - O Cavaleiro das Trevas
+ Frost/Nixon
+ Milk - A Voz da Igualdade

Melhores Efeitos Visuais
+ O Curioso Caso de Benjamin Button
+ Batman - O Cavaleiro das Trevas
+ Homem de Ferro

Melhor Fotografia
+ O Leitor
+ Batman - O Cavaleiro das Trevas
+ O Curioso Caso de Benjamin Button
+ A Troca
+ Quem Quer Ser Um Milionário?

Melhor Som
+ O Procurado
+ Wall °E
+ Quem Quer Ser Um Milionário?
+ Batman - O Cavaleiro das Trevas
+ O Curioso Caso de Benjamin Button

Melhor Edição de Som
+ Homem de Ferro
+ Batman - O Cavaleiro das Trevas
+ Quem Quer Ser Um Milionário?
+ Wall °E
+ O Procurado

Melhor Trilha Sonora
+ Wall °E
+ Um Ato de Liberdade
+ O Curioso Caso de Benjamin Button
+ Quem Quer Ser Um Milionário?
+ Milk - A Voz da Igualdade

Melhor Canção Original
+ O Saya - Quem Quer Ser Um Milionário?
+ Jai Ho - Quem Quer Ser Um Milionário?
+ Down to Earth - Wall °E

Melhor Direção de Arte
+ Foi Apenas um Sonho
+ A Duquesa
+ Batman - O Cavaleiro das Trevas
+ O Curioso Caso de Benjamin Button
+ A Troca

Melhor Documentário
+ Homem Equilibrista
+ As Águas de Katrina

A Troca

2009-01-28T21:11:00.002-02:00

O cenário é Los Angeles no final da década de 20, a protagonista é Angelina Jolie, a direção ficou a cargo de Clint Eastwood e o filme que tinha tudo para se tornar um obra-prima, a partir da metade da projeção desandou completamente.

A história gira em torno de Christine Collins (Angelina Jolie) e o desaparecimento de seu filho Walter. O longa é baseado em uma história real e este fato contribuiu e muito com algumas decisões de Eastwood. Após chegar do trabalho, Christine não encontra seu filho em casa, inicia-se então uma busca exaustiva da polícia local, notadamente corrupta e incompetente, para encontrar o garoto.

Após 5 meses de busca exaustiva e comoção pública, a polícia informa a Christine que encontrou seu filho, ao vê-lo, ela percebe que não se trata de Walter, mas após pressão da polícia ela resolve alimentar a farsa e leva seu suposto filho para a casa.

Até esse momento o longa enchia os olhos do público, no entanto, Clint Wastwood peca em ser fiel ao extremo aos fatos reais e se perde. O nome do filme já evidencia do que se trata e o recorte do filme durante toda sua projeção haveria de ser tão somente a troca das crianças, mas não é isso que acontece. O diretor amplia demais o foco e acaba se perdendo. A troca das crianças cede espaço para a descoberta de um criminoso. A boa vontade do diretor em apresentar todos os fatos acaba prolongando o filme, esvaecendo, por conseguinte, toda sua essência, além de enfraquecer o argumento inicial do longa.

Em relação à parte técnica não há do que reclamar, a fotografia é belíssima e coerente, a direção de Eastwood é muito competente, o filme é de prender a respiração do início ao fim da projeção, prende o público de uma forma impressionante. A atuação de Angelina Jolie é espetacular, uma das melhores, senão a melhor interpretação de sua carreira, foi muito convincente em um papel cheio de armadilhas e a indicação ao Oscar de melhor atriz soou meio óbvio.

A opção de Eastwood de inserir os tribunais ao final do filme além de empobrecer o significado de seu filme entra em um total lugar-comum que se potencializa no arremate final do longa que se apropria de uma filosofia barata, explorada a exaustão em filmes de qualidade duvidosa.

A Troca nos mostra que um filme baseado em fatos reais não implica em uma espécie de documentário. Uma certa preocupação em mostrar o que aconteceu de fato acaba enfraquecendo o poder que o filme poderia ter. O mais importante é conseguir retirar a essência do acontecimento e explorá-lo artisticamente. Faltou essa percepção de Eastwood que esteve muito perto de produzir a maior obra-prima de sua carreira.

Trailer:

Nota : 7,5

O Curioso Caso de Benjamin Button

2009-01-24T15:34:00.002-02:00

O diretor David Fincher depois de excelentes trabalhos como Seven - Os Sete Crimes Capitais, 0 elogiadíssimo Clube da Luta, além do belo suspense Zodíaco, nos presenteia com um filme fantástico que se não fossem alguns exageros e equívocos tinha tudo para se tornar uma obra-prima.

A história é uma adaptação de um conto de F. Scott Fitzgerald, em que um bebê nasce completamente envelhecido, com problemas e doenças características de um idoso, como catarata, artrite, pela flácida. À primeira imagem, esse recém-nascido se assemelha à alguma aberração da natureza. Sua mãe morre durante o parto e o pai chocado com aquela imagem dantesca resolve deixá-lo em frente a um asilo.

Benjamin é criado por uma mulher que, a priori, não podia ter filhos. Com o passar do tempo, Benjamin vai rejuvenescendo e suas doenças vão desaparecendo progressivamente. Trata-se de uma completa inversão do ciclo da vida, trazendo no seu bojo uma discussão rica acerca do fim da vida, da noção do tempo e da forma com que o aproveitamos.

O filme peca em prolongar a trama, são quase 3 horas de projeção não justificada, apresentado cenas e detalhes não significativos para o desenrolar da história. David Fincher abusa também no estilístico visual, sobretudo em sua fotografia, transparecendo um certo pedantismo, além de lançar mãos de alguns clichês como a narrativa em forma de diário, o que enfraquece, de certa a forma, a grandiosidade do longa.

O roteiro é alguma coisa de exepcional, apesar do tempo exageradamente longo do filme. O início é caracterizado como a parte mais cômica do filme, repleta da inocência inerente a essa etapa da vida, seja ela a infância ou a velhice, com o passar do tempo, as risadas dão lugar ao tom mais dramático do longa, justamente na fase em que o personagem vai amadurecendo e adquirindo novas responsabilidades. A maquiagem é outro elemento notório do filme, o envelhecimento e rejuvenescimento dos personagens é algo impressionante, impecável.

Brad Pitt cumpre bem seu papel, embora em determinadas cenas faltasse uma boa dose de expressão, sua indicação ao Oscar como melhor ator, é de certa forma exagerada, no entanto Cate Blanchett está muito bem, se destacou em um papel com uma carga dramática impressionante e merecia um maior reconhecimento da Academia.

O Curioso Caso de Benjamin Button gira em torno do tempo, da forma como convivemos com ele, que pode, ao mesmo tempo, ser um aliado ou um vilão. Independente do ciclo da vida, passaremos pelas mesmas situações, viveremos os mesmos dilemas e teremos que abdicar de outras tantas coisas. O filme mostra o quanto o tempo é modelador de nossa existência, para elocubrar essa concepção, Fincher nos presenteia com uma das cenas de atropelamento mais originais do cinema.

O filme tecnicamente é quase perfeito, não à toa recebeu 13 indicações ao Oscar, no entanto a utilização de alguns clichês do cinema, juntamente com alguns exageros esteticos contribuíram para que o longa perdesse uma boa dose de substância e não se tornasse uma obra-prima, mas é um excelente filme, muito acima das recentes produções cinematográficas atuais.

Trailer:

Nota: 8,0

Vicky Cristina Barcelona

2009-01-21T15:11:00.002-02:00

O novo filme de Woody Allen comprova o quão a simplicidade é capaz de tornar uma história aparentemente banal em uma ótima produção cinematográfica.

A trama é narrada em terceira pessoa, como é comum nos filmes de Woody Allen, e essa narração acaba por conceder ao filme um ritmo e uma dinâmica bem interessante e original, com um texto leve, carregado de ironia.

A história gira em torno de duas amigas de infância - Vicky e Cristina - nitidamente diferentes. Uma madura, sensata e com casamento marcado, a outra mais passional, disposta a viver aventuras e a sofrer por amor - nada mais clichê, não? Pois bem, ambas viajam para Barcelona e acabam por conhecer o galanteador artista plástico Juan Antonio de uma forma nada convencional.

O longa nos mostra uma Barcelona mágica que respira arte em cada esquina, repleta de artistas e paixões arrebatoras que nutrem a alma. Uma obra simples que fascina o telespectador desde a primeira cena, tudo se encaixa perfeitamente a essa Espanha mística, tanto a trilha sonora como a fotografia.

As amigas, outrora tão diferentes, não só se aproximam como trocam de papéis. Vicky Cristina Barcelona é uma história muito bem contada, de uma forma deliciosa que conseguiu unir elementos estéticos de forma homogênea e integrada. Não espere qualquer discussão aprofundada acerca do despertar de paixões e sentimentos intensos no ambiente mágico de Barcelona. Se Woody Allen não conseguiu fazer de Vicky Cristina Barcelona seu filme mais notório, sem dúvida nos presenteou com um filme delicioso muito superior às produções atuais e que merece ser visto.

Nota: 7,5

Trailer:

Se Eu Fosse Você 2

2009-01-21T15:06:00.003-02:00

Um filme feito unicamente para encher os bolsos e divertir o público. Daniel Filho traz mais um longa com os mesmos erros de suas produções anteriores como A Partilha, A Dona da História, Muito Gelo e Dois Dedos D'água e Primo Basílio. Um roteiro que peca pela obviedade, um amontoado de clichês que se assemelha muito mais a uma produção televisiva do que a uma obra cinematográfica, sobretudo pela fotografia preguiçosa e por não oferecer ao telespector nenhuma novidade estética, nada de novo nos é apresentado, nenhum movimento de câmera, nada.

A trama é rigorosamente igual ao primeiro filme. Um casal em conflito que caminha para o divórcio, trocam de papéis, e passam a viver situações inusitadas e engraçadas. A previsibilidade é algo notório durante todo decorrer do filme.

No entanto, Daniel Filho tem um trunfo nas mãos, conhecido como Tony Ramos, o ator está simplesmente impagável e nos faz esquecer os inúmeros equívocos que saltam da tela. Quase todas as cenas cômicas do filme têm a presença do personagem canastrão interpretado por Tony Ramos. Sem dúvida, quem tem esse brilhante ator no elenco tem metade de seus problemas resolvidos. Glória Pires interpretando um marmanjo é convincente, mas nada se compara à Tony Ramos, que transforma um filme desprovido de qualquer apuro estético e originalidade em uma obra que diverte a todos os públicos e que no final das contas, acaba cumprindo o seu papel de gerar receita e entreter.

Nota: 5,5

Trailer:

O Jogo do Anjo (Carlos Ruiz Zafón)

2009-01-20T00:46:00.001-02:00

"...Tinha a pele mais pálida que jamais tinha visto, e o cabelo negro brilhante, cortado em ângulo reto, emoldurava seu rosto. Seus lábios estavam pintados com algo que parecia sangue fresco, e círculos esfumaçados de sombra escura rodeavam seus olhos verdes. Movia-se como um felino, como se aquele corpo apertado num corselete de escamas reluzentes fosse de água e tivesse aprendido a enganar a gravidade. Em sua garganta esguia e interminável enrolava-se um fita de veludo escarlate, da qual pendia um crucifixo invertido. Incapaz de respirar, vi que se aproximava lentamente, meus olhos grudados naquelas pernas desenhadas com traço impossível, sob meias de seda que provavelmente custavam mais do que eu ganhava em um ano, apoiadas em sapatos pontiagudos como punhais, presos a seus tornozelos por fitas de seda. Em toda minha vida nunca tinha visto nada mais belo, nem que me desse tanto medo." (p. 29)

O ambiente sombrio, misterioso e nebuloso da Barcelona dos anos 20 é o pano de fundo da mais nova obra do romancista espanhol Carlos Ruiz Zafón que se consagrou com o romance "A Sombra do Vento". A trama se baseia-se na tríade característica dos textos de Zafón: o amor pelos livros, paixão e amizade.A saga do protagonista David Martín ocorre, cronologicamente, anterior a trama de Julián Carax e Daniel Sempere de "A Sombra do Vento", no entanto alguns personagens e lugares, como a livraria Sempere & Filhos e o Cemitério dos Livros Esquecidos voltam a aparecer em "O Jogo Anjo". Na verdade, as duas histórias de Zafón ocorrem em momentos distintos, porém em determinado momento se desenrolam de forma paralela.

Mérito para Zafón que consolida como uma das vozes mais originais da literatura atual.A saga de Martín é ainda mais misteriosa e intrigante que do livro anterior. Com o desenrolar da trama, os fatos contribuem para que o protagonista se desespere cada vez mais, ao passo que percebemos que a história, a cada página lida, torna-se difícil de ser solucionada e compreendida na sua totalidade.

Ao final do livro, percebemos que nossas suspeitas não eram à toa, o livro é infininatemente mais subjetivo e polissêmico que o anterior, nada é dito com todas as letras, muita coisa é imaginada, pensada e suposta. O que acaba criando não uma história com início, meio e fim, mas uma obra complexa e completa em que se abrem inúmeras possibilidades para o seu desfecho, o que fatalmente nos remete ao clássico Dom Casmurro de Machado de Assis. Zafón cria uma Barcelona Gótica, fortemente influenciada por Edgar Allan Poe, cria personagens fascinantes no melhor estilo Alexandre Dumas e paixões arrebatadoras e intensas que nos remete aos folhetins amorosos de Victor Hugo. Uma obra tão apaixonante como a Sombra do Vento, compará-las seria um pecado sem tamanho. Cada uma possui valores, sentimentos e significados próprios. Tanto uma como a outra estão muito acima de outros exemplares da literatura estrangeira atual. Esperemos o próximo livro de Zafón para nos embasbacarmos com essa Espanha única e cheia segredos.

O Vendedor de Sonhos (Augusto Cury)

2009-01-20T00:45:00.000-02:00

O passado é meu algoz, não me permite o retorno, mas o presente levanta generosamente meu semblante descaído e me faz enxergar que não posso mudar o que fui, mas posso contruir o que serei. Podem me chamar de louco, psicótico, maluco, não importa. O que importa é que, como todo mortal, um dia terminarei o show da existência no pequeno palco de um túmulo, diante de uma platéia em lágrimas. (p. 287)

Um maltrapilho saí pelas ruas de uma grande metrópole vendendo sonhos, agindo de modo altruísta e levando consigo seguidores de sua ideologia de vida. O nova obra de Augusto Cury segue a mesma lógica e idéia de seu best-seller "Futuro da Humanidade", persiste da mesma forma em criticar o ambiente acadêmico e a construção da sua narrativa não deixa de lado as deficiências anteriores.

Augusto Cury não consegue se desvencilhar da auto-ajuda, se bem que isso nunca foi o seu desejo, contudo essa característica de suas obras contribui para que ele não seja visto com bons olhos na academia e para que sua narrativa não possua elementos ficcionais mais ricos, substanciais e interessantes. O leitor não consegue emergir por inteiro na história, é tudo relatado de modo brusco e sem muito apuro textual.

"Vendedor de Sonhos" traz mensagens interessantes acerca dessa época tão desumanizante, em que gestos de carinho, afeto e compaixão fogem da rotina. Os pensamentos do vendedor de sonhos são construídos de forma coerente, no entanto, a repetição dos mesmo nos faz acreditar que Cury não tem muito mais a nos dizer.

Podem se preparar que o "Vendedor de Sonhos" é apenas o primeiro livro, de uma série que virá, justamente por isso, o autor fez questão de elucidar ao final da obra que este era apenas o primeiro volume. O que me inquieta é saber que mais ele irá nos dizer a respeito dessa temática, tendo repetido suas idéias a todo instante no desenvolver da trama. É esperar pra crer...ou para lamentar.

Perfil

2009-01-01T18:20:00.000-02:00

Caíque Gonçalves
Graduando em Comunicação Social com habilitação em Jornalismo. Colunista Cultural, apaixonado pelas artes e espetáculos, sobretudo pelo cinema e música. Jornalista independente, webjornalista convicto, blogueiro nas horas vagas, consumidor compulsivo de informação jornalística. Reside atualmente em Salvador. Assina a coluna movido por uma paixão incontrolável pelo jornalismo cultural e o leque de possibilidades que se abrem para o webjornalista.

Romance

2008-12-11T13:44:00.001-02:00

A mais nova produção de Guel Arraes, de fato, é a que mais se aproxima do arte cinematográfica, ao se desvencilhar de certas técnicas televisivas que eram utilizadas pelo diretor.

"Romance" é marcado pelo seu caráter dramático, mas sem deixar o riso de lado, como é característico dos filmes de Guel.

Outra característica marcante é a linguagem teatral, repleta de sentimento e rebuscamento que ganha força, ao passo que a superficialidade da tevê é criticada, mas de modo ameno, como deveria ser, afinal de contas, todos são atores globais e a emissora é um dos patrocinadores do longa.

Mas vamos ao que interesse, o filme em si. Pedro (Wagner Moura) dirige e atua na adaptação da obra de Shackspeare, "Tristão e Isolda", ao procurar uma atriz para contracenar com ele encontra Ana (Letícia Sabatella). Ambos se apaixonam e passar a atuar juntos na peça por um bom tempo. Porém o ciúme e a rotina passam a interferir de modo decisivo no romance e o casal se separa, devido a um mal entendido.

Pedro e Ana só se reencontram anos depois quando Pedro é chamado para dirigir e escrever uma adaptação da obra de Shackspeare para a tevê. É a partir deste momento que a vida, nitidamente, começa a imitar a arte. Os sentimentos e incertezas dos personagens rompem o tênue limite da dramatização. E é justamente neste momento que deveria ser o ponto alto da trama, onde acontece um triângulo amoroso, que a narrativa perde sua força. Ao passo que a relação de Pedro e Ana evidencia-se como algo forte, repleto de sentimento, a relação da atriz com o ator Orlando (Vladimir Brichta) é absolutamente vazia, tornando a dúvida de Ana totalmente tola e sem sentido.

As participações de José Wilker, Andréa Beltrão e Marco Nanini foram preciosas, grandes atores que nos fizeram esquecer de suas origens televisivas, algo absolutamente incomum se tratando de cinema nacional. Uma produção que vale a pena pela atuação dos atores, pelo roteiro bem conduzido de Jorge Furtado e sobretudo, pela forma como o teatro é retratado na telona, onde prevalece suas particularidades e sua linguagem forte e simbólica.

Nota: 7,0

Control

2008-08-27T23:48:00.003-03:00

Control é uma biografia muito bem sucedida de Ian Curtis, o perturbado vocalista da banda Joy Division. O filme é dirigido pelo estreante Anton Corbijn, que apesar de ser diretor de videoclipes, confere um caráter bem denso e enigmático em sua obra que é totalmente em preto e branco.

A atmosfera dos anos 70 é incrivelmente transportada para a tela, muitas doses de incertezas e depressão em contraste com as músicas repletas de alma e sentimentos adormecidos que afloram em cima do palco.

Sam Riley interpreta Curtis com perfeição, inclusive assumindo o vocal nas apresentações ao vivo e com muita propriedade. O filme é construído de forma a elencar os fatores que levaram-no a cometer o suicídio, mas essa atmosfera nebulosa de Machester dos anos 70 não nos esclarece muita coisa.

Seus problemas pessoais, profissionais e românticos se entreleçam de tal forma que a causa mortis se torna desnecessária, diante dos conflitos existenciais que Curtis fica sujeito e a sua morte parece a saída mais sensata. Um filme forte, sensível e requintado, que deve desagradar muita gente por ser bastante denso, mas sem dúvida é algo que não pode passar desapercebido.

Nota: 7.5

A Culpa é do Fidel

2008-08-18T18:34:00.001-03:00

Após alguns meses distante do blog cá estou eu de volta, peço desculpa aos meus leitores pela ausência, o estágio não estava possibilitando que eu me dedicasse da forma desejada a este espaço.

Não há filme melhor pra retomar a direção da Sala de Arte, uma produção franco-italiana que vem dando o que falar.
O comunismo sob o olhar de uma criança de nove anos de idade. "A Culpa é do Fidel (La Faute à Fidel)" emerge em um universo temático já retratado exaustivamente nas telas, porém essa ótica mais inocente, espontânea e sincera produz um efeito muito interessante.

A atriz mirim Nina Kervel-Bey é um show à parte com uma atuação pra lá de convincente, uma maturidade impressionante, de causar inveja a muitos atores experientes. Muito provavelmente uma outra atriz não faria o papel de uma forma tão competente.

Anna de la Mesa tem 9 anos e vive em Paris de forma tranquila e equilibrada com seus pais e estuda em um colégio católico e. A morte de seu tio espanhol mudará pra sempre a sua vida, sobretudo quando seus pais voltam de uma viagem ao Chile. Ela passa a conviver com situações inimagináveis até então, como as manifestações políticas, mudança para um apartamento menor, trocas constantes de babás e visitas inesperadas dos amigos barbudos de seus pais, além de sofrer discriminação de suas colegas na escola.

Ela passa a construir em seu imaginário suas próprias definições e conclusões sobre o comunismo, através de experiências pessoais e seu aguçado poder de observação. O longa nos conta a trama com uma sutileza e beleza impressionantes. O humor também marca presença de uma forma bem particular e original. Uma bela produção sustentada pelo bom roteiro e sobretudo pela atuação cheia de personalidade e autoridade dessa mais nova revelação do cinema europeu.

Nota: 8.0

Desejo e Reparação (Atonement)

2008-07-24T15:56:00.000-03:00

Por Caique Gonçalves, colunista de cinema do JE Informa

A Inglaterra de 1935 é o cenário desta excelente produção, baseada no romance de Ian McEwan. A história se passa em uma rica propriedade rural, onde a matriarca e suas duas filhas, Cecilia, a mais velha e Briony de 13 anos vivem. A fazenda também é o lar de Robbie Turner, filho da governanta, mas educado em Cambridge, com o dinheiro do falecido patrão.

Cecília e Robbie possuem uma enorme afinidade, porém sem saber, são correspondidos um pelo outro. Briony é a única pessoa que sabe do sentimento de ambos e é justamente ela que decidirá o futuro dessa relação.

O longa é um ótimo exemplo de como deve se passar a adaptação de uma obra literária para o cinema. Muito em razão do próprio McEwan, que foi um dos roteiristas do filme. Tornou-o leve, coeso, intenso e muito sensível.

"Desejo e Reparação" trata basicamente das ações humanas e de suas consequências, não só de quem a realizou, mas em todas as pessoas envolvidas. Uma afirmação de Briony no começo do filme aponta essa abordagem do longa. "Eu deveria ter escrito um romance; as peças são ruins porque a obra, para se realizar, depende da ação dos outros". A postura de Briony no decorrer da trama nos remete à psicanálise freudiana, sobretudo nas causas de tais atitudes.

Outra característica marcante do longa, é a utilização de flash backs, sobretudo na primeira parte do filme. Mas tudo é feito com tal competência, que em momento algum confunde o espectador. A fotografia é muito bonita e a edição fez um papel primoroso. A trilha sonora é belíssima, pode-se dizer que é um filme completo. Não é à toa que teve 7 indicações ao Oscar (Melhor Filme, Atriz Coadjuvante, Roteiro Adaptado, Figurino, Fotografia, Trilha Sonora e Direção de Arte).

"Desejo e Reparação alcança uma beleza única, por ter conseguido transpor para o cinema o romance de maneira fiel e mantendo a essência da obra. É uma história de amor como tantas outras, que adquire sensibilidade e autenticidade pela maneira como é contada. Merecia sorte melhor na cerimônia mais badalada do cinema, levou apenas uma estatueta, a de Melhor Trilha Sonora, pouco, muito pouco.

Avaliação: (0-10) 8,5

O Caçador de Pipas (The Kite Runner)

2008-07-24T15:55:00.001-03:00

Por Caique Gonçalves, colunista de cinema do JE Informa

O mais recente trabalho de Marc Foster foi esperado com grande expectativa, devido ao imenso sucesso do best-seller. Os amantes do cinema o aguardavam com certa ansiedade e curiosidade. Já os leitores de Khaled Hosseini contavam os dias para a estréia.

Eu me encontro nas duas situações e após assistir ao filme, me deparei com uma dupla frustração. O longa se preocupa exageradamente em retratar todos os momentos do livro ao invés de focar no roteiro a essência do filme que é o valor de uma amizade e os valores que ela integra.

A atuação de Khalid Abdalla que interpreta Amir é lamentável, totalmente insosso, sem nenhuma expressão. O seu sentimento de arrependimento durante o filme é imperceptivel. Enquanto obra cinematográfica, O Caçador de Pipas é um amontoado de clichês melodramáticos, sem contar com os fatos que beiram a ficção. A começar pela visão fantasiosa e romantizada da América, como um paraíso de tranquilidade, onde todos vivem felizes, onde afegãos vivem calmamente, sem violência ou qualquer tipo de preconceito(!). Já o Afeganistão é abordado antes da chegada dos talibãs de forma irreal, como o lugar ideal para se viver, onde reside a prosperiadade, o companheirismo e a paz.

Já a suposta redenção de Amir não passa de uma forma de amenizar a sua consciência pesada diante das inúmeras injustiças que ele cometeu com Hassan. No livro não é abordado dessa forma, tem um caráter mais humano, passivel de erros. Já a fidelidade de Hassan torna-se na telona uma subserviência incoerente.

Para grande parte dos leitores, a frase "Por você faria isso mil vezes" é a marca beleza do livro e a expressão só é dita em duas oportunidades durante as mais de duas horas de exibição. Tudo isso porque a construção da relação dos garotos não foi construída de forma natural, tudo é muito rígido, didático e superficial. Ao contrário do livro, o longa não dá espaço para reflexões e indagações acerca das relações humanas. Uma das poucas coisas que salvam o filme é atuação dos garotos, muito seguros e expressivos, sobretudo, Ahmad Khan Mahmidzada que interpreta Hassan. Disparado a melhor atuação do filme. Sem dúvida um alento para todos aqueles que esperavam bem mais de um dos filmes mais esperados do ano.

Avaliação: (0-10) 5,0

A Era da Inocência

2008-07-24T15:54:00.001-03:00

Por Caíque Gonçalves, crítico de cinema do JE

O mais novo filme de Denys Arcand encerra trilogia precedida por "Declínio do Império Americano" e "Invasões Bárbaras". O filme se passa em Montréal, Canadá, após o império americano ter desabado e com a chegada dos imigrantes (Invasões Bárbaras).

Jean-Marc Leblanc (Marc Labréche) é um funcionário público totalmente desiludido com sua vida, em todos os aspectos. Não gosta do trabalho, tem uma relação nada íntima com suas filhas, não se relaciona sexualmente com sua mulher há um bom tempo. O personagem vai buscar alívio desta rotina entediante se masturbando diariamente e tendo fantasias eróticas.

O diretor nos mostra que a sociedade atual caminhou para a total abstração no que tange às relações humanas. A interação homém-máquina se apresenta de uma forma muito interessante, através de telefones celulares, i-pods, jogos eletrônicos. É imposta uma cultura de isolamento tecnológico, no qual os novos aparelhos funcionam tanto como intermediário na comunicação, como substitui as relações humanas.

Com a morte da mãe, Jean-Marc Leblanc se desespera completamente, pede demissão do emprego e caminha para o total isolamento, ele não vê mais sentido para existir, se sente inútil, se cansa de escapar da realidade através de seus sonhos e ilusões. O longa aborda primordialmente o caráter escapista desta geração, a fuga da realidade se configura como o único caminho possível, diante da ordem das coisas.

A Era da Inocência não é tão bom como seus antecessores, é mais leve, menos satírico e cômico e não crítica tanto o modo de viver contemporâneo, obviamente de forma intencional. O filme como a sociedade que ele mostra é pessimista e melancólico, mas vale a pena, apesar de não ser um filme fácil de gostar, afinal, a desilusão é o seu caráter mais latente.

Avaliação: (0-10) 7.5

Sangue Negro

2008-07-24T15:53:00.003-03:00

Por Caique Gonçalves, crítico de cinema do JE

Antes de mais nada, trata-se de um filme antológico. Um filme com uma bela fotografia, uma ótima trilha sonora e uma direção competentíssima, de Paul Thomas Anderson. Porém, essas virtudes são renegadas ao segundo plano, devido a atuação espetacular de Daniel Day-Lewis. Não houve premiação do Oscar mais merecida do que sua consagração como Melhor Ator, o que de fato ele é, sem sombra de dúvidas.

Lewis interpreta Daniel Plainview, que ao saber de uma pequena cidade no Oeste que está repleta de petróleo no seu solo, se dirige para lá, juntamente com seu filho H.W para tentar a sorte. Sua chegada muda completamente e definitivamente a rotina da cidade e de seus habitantes.

Daniel Plainview é um dos personagens mais complexos, difíceis e marcantes que eu já tive a oportunidade de presenciar nas telas, é a marca do filme, um símbolo da ambição e dos valores éticos e morais da nação norte-americana. Nenhum ator o incorporaria de forma mais completa do que Lewis. É um filme clássico feito no século XXI, essa é a definição que mais se aproxima da realidade. Uma aula de cinema e de atuação, um filme para marcar época.

A história em si não é muito atraente, o seu ritmo não é muito dinâmico, o que pode fazer o espectador mais desantento perder o fio da meada e achar o filme chato. Ele tenta prender o público através de climas tensos e através da construção dos personagens, que alcançam uma profundidade que não é comum nos filmes norte-americanos.

Sangue Negro se resume a um épico de um personagem, apenas. Um filme atual, que poderia ter sido feito no século passado, um ator que parece que não vive mais entre nós, um filme para fazer história, pra ver e rever quantas vezes for possível.

Avaliação: (0-10) 8.0

Paranoid Park

2008-07-24T15:53:00.001-03:00

Por Caíque Gonçalves, crítico de cinema do JE

Ao final da projeção surge de todos os lados da sala de cinema risos desdenhosos, irônicos e depreciativos. Quem entendeu de fato o filme, se sentiu envergonhado de estar ali, envergonhado de ser brasileiro, envergonhado da nossa juventude, envergonhado de tamanha ignorância, da incapacidade de avaliar e compreender um produto artístico de tamanha qualidade e significância.

O mais novo filme de Gus Vant continua a buscar entender o universo dos jovens, através de uma abordagem mais introspectiva. A trama se passa com o jovem skatista de 16 anos, Alex (Gabe Nevins). Ele visita o parque mitológico dos amantes do skate, o Paranoid Park, com um amigo.

Ao voltar do Paranoid Park no trem pelo lado de fora, Alex acaba matando acidentalmente um experiente guarda local. Esse acontecimento vai nortear todo o longa. A partir desse acidente, o jovem skatista se retrai e se isola ainda mais do restante do mundo, a medida que a idéia de que ele matou um homem vai se solidificando na sua consciência.

O filme começa pelo meio quando Alex começa a escrever uma carta sobre o episódio, por sugestão de uma amiga, como uma forma de terapia, para aliviar o peso de sua consciência, porém nunca sabemos o que está escrito nela. "Paranoid Park" não possui um desenrolar cronológico, porém as sequência do retrocedimento da história, sempre esclarecem o espectador acerca dos fatos.

O longa não é nada convencional, são raros os diálogos, Gus Vant tenta nos esclarecer o que se passa com esse garoto através do seu silêncio e expressões. A idéia de trabalhar somente com atores amadores aproxima o filme do que se propõe que é imergir no universo real dos jovens. Como já foi comprovado no início do texto, esse filme não irá agradar a qualquer um, é preciso se transportar para o universo criado por Gus Vant, ter sensibilidade para captar os mínimos detalhes.

O filme não nos tráz respostas prontas, muito menos uma conclusão. Ele apenas incita uma reflexão absolutamente pertinente. "Paranoid Park" não é um produto, é um meio, uma ferramentea com um propósito definido. É uma obra como poucas, só quem viu e teve sensibilidade necessária para absorvê-la, sabe do que eu estou falando.

Avaliação (0-10) - 8.0

A Vida dos Outros (Das Leben der Anderen)

2008-07-24T15:51:00.001-03:00

Por Caique Conçalves, colunista de cinema do JE Informa

O Muro de Berlim ainda dividia as duas Alemanhas, o ano é 1984. O governo da Berlim Oriental pra assegurar o seu poder passa a incorporar uma forte vigilância sob seus cidadãos. É esse voyeurismo oficial que norteia esse bom filme, vencedor do Oscar de melhor filme estrangeiro em 2007.

O grande alvo dessa vigilância é o dramaturgo Georg Dreyman (Ulrich Mühe) e sua namorada, a atriz Christa-Maria Sieland (Martina Gedeck). Eles passam a ser monitorados 24 horas por dia, na busca por provas que comprovem o envolvimento deles com o socialismo.

Numa época de truculência, da ausência das liberdades individuais e coletivas. O diretor e roteirista Florian Henckel von Donnersmarck confere um caráter humanista das relações entre os envolvidos nessa triste página da história alemã e mundial.
O roteiro é muito bem elaborado, o ritmo do filme não é quebrado em nenhum instante, assim como a imprevisibilidade permanece durante toda a exibição. A ausência de clichês facilita bastante. A fotografia densa e azulada é outro ponto a favor do sucesso dessa bela produção e colabora com a tensão incessante presente no longa. Antes de mais nada, por incrível que pareça, é um elogio a alguns seres humanos que fazem com que a esperança por um mundo melhor de se viver num passe de mera ilusão.

Avaliação: (0-10) 8,0

Across The Universe

2008-07-24T15:50:00.001-03:00

Por Caique Gonçalves, colunista de cinema do JE Informa

O Musical "Across The Universe" parte de uma idéia bem interessante. Falar dos conturbados anos 60 através das músicas do Beatles. O filme tem uma trilha sonora deliciosa, mas não se consolida como um bom filme.

O filme começa em Liverpool ao som de "Girl" de John Lennon e Paul e McCartney. Jude (nome mais sugestivo que esse é impossível), trabalhador das docas, resolve pegar um navio para a Universidade de Princeton nos EUA, à procura do pai que nunca conheceu. E lá conhece a jovem Lucy, pela qual se apaixona. É esse casal e esse romance que irá nortear o roteiro do longa.

Os números musicais seguem durante o filme de forma magistral e surreal, justamente nos momentos em que determinadas músicas se encaixam perfeitamente nas situações criadas ao longo do filme; abordando a liberação sexual e as relações amorosas, preponderantemente.

É justamente quando as músicas passam a tratar dos protestos contra a guerra no Vietnã, que o filme se enfraquece e torna-se simplista. Esses movimentos passam a se sobrepor à ideologia do sexo, drogas e rock'n roll. Fumar maconha é encarado de uma forma natural demais para a época e a música dos Beatles é relacionada excessivamente com os jovens manifestantes da esquerda política da época.

Um grande ponto a favor deste produção foi ter regravado todas as 33 canções que fazem parte do musical, cantadas pelos atores, com arranjos apropriados para o contexto do filme. A participação de artistas da Broadway colabora com o visual dos números musicais. Mas o que prejudica, de fato, o musical é a edição mal feita com cortes absolutamente criminosos, a propaganda política escancarada, além de uns anos 60 bem fantasiosos. Para os amantes dos Beatles é uma ótima opção, quem pretende ver um bom filme, coeso, com bom roteiro, edição e boas atuações, não é indicado de forma alguma.

Avaliação: (0-10) 7,0

Juno

2008-03-14T14:35:00.000-03:00

Minha grande motivação pra ir ver "Juno" foi o fato de uma comédia ter sido indicada ao Oscar de melhor filme. Algo de novo ou de original haveria de ter e de fato tem.

Escrito pela ex-stripper Diablo Cody, Juno apresenta uma adolescente norte-americana com os seus 16 anos que enfrenta uma gravidez indesejada, após uma noite com seu melhor amigo. Ciente de que não tem capacidade, no momento, de ser mãe, ela resolve dar o bebê para adoção e os escolhidos para tal tarefa é um casal bem-sucedido.

No decorrer de sua gravidez, Juno, intepretada pela ótima Ellen Page, passa a enfrentar novas dificuldades e obstáculos que proporcionam um amadurecimento notório da personagem. Essa grande atuação rende uma indição ao de Melhor Atriz. Outra característica importante do longa é o roteiro muito bem escrito e que foge ao lugar-comum das comédias.

"Juno" transita pelo drama e pela comédia e não se sabe ao certo que gênero podemos enquadrar. Como comédia, foge dos clichês, porém não se apresenta tão engraçado, apesar de algumas sacadas inteligentes, boa parte das piadas são bem forçadas. Ao encararmos como um drama, o longa soa um pouco superficial e comprova que a adolescente em questão, mesmo passando por tudo que passou continua sendo irresponsável e imatura, encarando tudo como se nada tivesse acontecido. "Juno" é indicado ao Oscar também como Melhor Direção, mas leva a sua única estatueta como Melhor Roteiro Original. Merecido pela originalidade, criatividade, bons diálogos e inteligência de Diablo Cody.

Avaliação: (0-10) 6,5

Meu Nome Não é Johnny

2008-02-04T14:55:00.000-02:00

A primeira produção nacional do ano significa muito mais do que se imagina, é uma espécie de redenção para a Globo Filmes, que vinha enfrentando seguidos fiascos de bilheteria e crítica, principalmente esta última.

Não se trata de um filme excepcional, porém muito superior à media da Globo Filmes. Isso deve-se basicamente ao esforço e trabalho de Selton Mello e do diretor Mauro Lima. Selton revive uma lenda urbana da sociedade carioca, o João Estrella, jovem de classe média que de usuário se tornou traficante de drogas.

O longa transita do drama à comédia de forma muito competente. Finalmente a Globo produz um filme com cara de filme, espero que tenham aprendido a lição de como é fazer cinema; quanto ao aspecto estético e cinematográfico, o filme cumpre bem seu papel. A história e a forma com que é contada é interessante, as doses de humor conferem certa leveza ao filme. Contudo a mensagem não é das melhores, é uma grande passada de mão na cabeça da classe média, em que traficar drogas de forma não institucionalizada e desorganizadamente não confere crime ao acusado, apesar do tempo que ele passou preso.

Olhando toda a história de João Estrella diante de outra perspectiva pode-se considerar como a recuperação de um jovem traficante de classe média que chegou ao fundo do poço e conseguiu se reerguer. Essa é a beleza da arte, possibilitar visões díspares do mesmo objeto em questão.

Avaliação (0-10) - 7.0

Globo Filmes vêm aumentando sua lista de fracassos

2007-12-18T10:56:00.000-02:00

A Globo Filmes, definitivamente, não consegue fazer cinema no país, sobretudo por não saber distinguir a sétima arte das novelas e minisséries. A mais recente produção trata-se de "Noel - O Poeta da Vila". O filme se propôs a abordar a vida do músico e compositor Noel Rosa, o diretor tinha em sua mão um história interessantíssima, repleta de elementos, que não dificilmente, consolidariam um grande filme, a vida boêmia, o caso extraconjugal, a tuberculose, a rivalidade com o sambista Wilson Dias.
O filme não empolga em nenhum momento, só num cai em um marasmo total por causa das músicas de Noel. Os mesmos erros vêm sendo cometidos pela Globo Filmes sucessivamente, roteiro pobre, assemelhando-se às novelas globais, os diretores não ousam em nennhum momento, abordagem deveras superficial dos temas. "Noel - O Poeta da Vila" é só mais um filme com potencial que ao cair nas mãos da Globo Filmes não convence ninguém, a exemplo de "Cazuza - O Tempo não pára" e o "Primo Basílio".
Enquanto os produtores da Globo Filmes não perceberem as especificidades do cinema e as novas possibilidades que ele abre, quando bem feito, desistirão de fazer produtos de fácil assimilação, resumindo-se em uma produção pobre, vazia e que nos diz, absolutamente, nada. É um absurdo sem tamanho, em um país que o incentivo cultural não se faz tão presente, utilizar de capital destinado ao cinema para realizar produções que se aproximam da mediocridade, enquanto que filmes que merecem nossa reverência e admiração ficam à margem, no circuito independente.

A Hora e a vez do cinema alternativo

2007-11-08T10:57:00.000-02:00

Só de passar os olhos pelos filmes que estão em cartaz nas grandes salas de cinema, bate um desânimo e uma certeza: o cinema está em baixa e que não há boas produções que valham o preço do ingresso. Com exceção do brasileiro "Tropa de Elite", mas que já foi exaustivamente falado e visto, seja de forma lícita ou não, as grandes produções não empolgam, não se vê nada de novo e interessante.

Esse é o momento para voltarmos nossos olhos e mentes para o palco alternativo da sétima arte, nessas salas há ótimos filmes que são do conhecimento de uma parcela ínfima de pessoas. Essa é a época de fomentar a indústria cinematográfica alternativa, desprovida de grandes recursos, mas que prezam por ótimo roteiros, pela criatividade, inteligência e ótimas histórias.

Dentre esses filmes se destacam o francês "Ao Lado da Pianista", dirigido por Denis Dercourt, ele aborda os traumas que ocorrem na infância e de que forma eles continuam vivos na vida adulta, se manifestando de alguma forma. A história inicia com uma garotinha de dez anos, com o dom para ser pianista, porém no exame para ingressar no conservatório de música ela é distraída por um dos juris, não consegue se concentrar e acaba tendo um péssimo desempenho. Desde então ela nunca mais toca piano. Dez anos depois, por acaso, acaba reencontrando a júri e passa a trabalhar para ela, como ajudante nas apresentações de piano. Ela tem então, a oportunidade de perdoar ou se vingar da pianista. Filme bastante psicológico e tenso, tem um ritmo bem interessante, excelente produção.

Outro ótimo filme que está em cartaz é o israelense "Bubble", do diretor Eytan Fox, que aborda um bairro de Tel-Aviv, em Israel, que funciona como uma bolha, isolada da realidade local, dos conflitos incessantes que ocorrem na cidade contra os palestinos. Em um dos apartamentos, moram três amigos, dois gays e uma mulher. A vida deles mudam por completo quando um deles se apaixona por um palestino. O filme trata de forma leve e sensível os conflitos, os preconceitos e a intolerância, seja ela, sexual, religiosa ou étnica. Possui cenas de sexo gays que revolucionam o cinema, com excessivo romantismo e leveza, sem dúvida uma das melhores produções do ano.

"Meu Melhor Amigo" é mais leve e engraçado que os citados, um filme francês extremamente interessante, que aborda a amizade e seus valores de forma única. O roteiro gira em torno de François, comerciante de antiguidades, que vive para o trabalho e não é adepto das relações humanas. No seu aniversário, sua sócia afirma que ele não tem amigos e que no seu enterro ninguém irá. A partir daí eles apostam que se ele não apresentar seu melhor amigo em 10 dias, perderá seu vaso chinês adquirido recentemente. François parte em uma busca desesperada, afim de conhecer seu melhor amigo, nesse percurso ele acaba conhecendo um taxista que tenta o ajudar nessa tarefa, nada fácil. Lindo filme, dialoga os valores e a importância da amizade de uma forma muito inteligente e criativa, excelente produção em todos os aspectos, muito divertido, é o típico filme que assistir uma só vez não basta.

Três excelentes filmes para quem está cansado da mesmisse e que espera algo mais do cinema, além dos batidos clichês e explosões e troca de tiros incessantes. Para quem gosta de filmes alternativos é imperdível, já quem não é muito adepto do cinema alternativo, eu recomendo assistí-los, passará a olhar com outros olhos essas produções.

Saneamento Básico

2007-09-09T15:03:00.000-03:00

O mais novo de filme de Jorge Furtado estréia na telona e prova ser novo defato, principalmente para o diretor e a todos aqueles que acompanham acarreira do diretor de Ilha das Flores , Houve Uma Vez Dois Verões, O Homem Que Copiava e Meu Tio Matou Um Cara . Furtado sai dapadronização que estava caindo com seus filmes, elimina o narrador dosacontecimentos assim como o teor neo-romântico de suas obras, no qual ospersonagens buscam os amores de suas vidas, ele se remodela, inova,característica fundamental para um cineasta.

A trama se desenvolve na comunidade fictícia de Linha Cristal, na qual osmoradores reinvindicam obras de saneamento básico na cidade, vão àprefeitura reclamar, entretanto, a secretária afirma que a prefeitura nãotem verba para tal obra, contudo há um verba de dez mil reais de um programado Governo Federal de incentivo a cultura, destinado à produção de um filmede ficção. A partir daí, Marina (Fernanda Torres) juntamente com seu maridoJoaquim (Wagner Moura) decidem escrever o roteiro e produzir o filme "OMonstro do Fosso", no qual os seis personagens do longa participam dasgravações. Eles se envolvem no filme com objetivos distintos, Joaquim eMarina queriam de fato as obras de sanemento que provocaram uma micose nele. Fabrício (Bruno Garcia) queria um retorno turístico para sua pousada, Zico(Lázaro Ramos) queria dar uma guinada na sua carreira cinematográfica, porémtodos acabam se apaixonando pelo filme que se aproxima ao gênero trash. Furtado consegue fazer com que o filme seja sutil, inteligente e engraçado,trata da paixão pelo cinema em lugares que não oferecem uma condição básicapara a sobrevivência, uma paródia ao Brasil, acho que ele pecou nesseaspecto em demonstrar uma imensa facilidade em fazer cinema no Brasil, noqual uma produção primária, bizonha faz sucesso, mas essa estratégia denotaoutro fato, de que qualquer pessoa pode fazer cinema, sem nenhumconhecimento prévio de causa, o que é um grande equívoco. O final também nãoalcança tudo que poderia, o filme não consolida sua crítica social, é tudomuito sutil, beirando a passividade. No mais, o filme cumpre seu papel, osdiálogos foram muito bem escritos, a história é simples e um tanto quantobanal, mas consegue prender o público, além do roteiro ter sido muitointeligente e engraçado. Todos os personagens se apresentam muito bem, háuma inversão na obra, no qual grandes atores atuam como péssimos atores, oque consiste numa grande dificuldade e deixa o filme ainda mais engraçado.Apesar de entrar no final do longa, Lázaro Ramos dá um show à parte, dá umanova dinâmica no filme.

Saneamento Básico não consegue ser tão inovador quanto "O Homem QueCopiava"; ele preza pela sutileza em todos seus aspectos, sutilmenteengraçado, inteligente e bem escrito. Não se constitui como um grande filme,apesar de cumprir bem seu papel, mas pode ser, tranquilamente, posto nalista dos melhores filmes nacionais de 2007 juntamento com o ótimo "O Cheirodo Ralo".